Web Дизайн. Уроки фотошопа, photoshop. Статьи о дизайне. Как создать сайт. Обучение дизайну. Фото. Гламурные галереи
Веб дизайн

Статьи о дизайне   Портфолио дизайнера
Дизайн Форум


Про дизайн и web дизайн




Главная     Форум     Галереи




  Статьи о дизайне





  Основные стили в дизайне




Стили в дизайне

Арт Деко

Арт Деко можно назвать не только течением, а, скорее, тенденцией в дизайне. Арт Деко ведет свое происхождение из Франции 20-х годов, но в полную силу проявился в Британии и США в 30-х. Название происходит от Парижской выставки Декоративных и Промышленных искусств 1925 года, где этот стиль был представлен наиболее полно. Его источники весьма многообразны. На формирование стиля повлияли течения в изобразительном искусстве - кубизм и фовизм, но был в равной степени - Русский Балет, африканские и другие неевропейские формы, в частности - Египетское искусство, так же он оказался под влиянием дизайнеров-протомодернистов - Джозефа Хоффманна, Франка Ллойда Райта и Адольфа Лооса.



В Арт Деко часто использовались роскошные, дорогие материалы - слоновая кость, эмаль, шагрень, эбонит. Мебель, изделия и архитектура этого стиля выглядят тяжеловесными, в них весьма заметны классицистические и египетские мотивы. Наиболее яркие представители Арт Деко - Жак-Эмиль Рулман, Рене Лалик, Жан Дюнан и А. М. Кассандр, чьи графические работы выдают его приверженность классицизму, но в равной степени - влияние футуристов и кубистов. Однако, Арт Деко - стиль не безупречный. Когда он использовался в общественной сфере, драгоценные материалы заменялись имитацией.

Например, в многочисленных кинотеатрах "Одеон", открывавшихся в 30-х годах в США и Британии, богатые эффекты создавались при помощи дешевых технологий - использовался хром, цветное стекло и крашенный бетон. "Стиль Одеона", его дешевая роскошь были интерпретированы впоследствии как попытка создать противоядие к общему унынию по причине экономического спада этого десятилетия. Новые материалы, например, бакелит, успешно использовались в Арт Деко, из него было легко отливать лепные украшения, а вариативность бакелита (он мог быть полупрозрачный или под мрамор) прекрасно подходила для новых продуктов, таких, как радио. В целом, Арт Деко был ремесленный стиль. На Парижской выставке 1925 года было много критики в его адрес, в особенности, от вдохновленных модернизмом дизайнеров. Интерес к Арт Деко возродился в 60-х.


Деконструктивизм

Термин "Деконструктивизм" появился в архитектурном дизайне в конце 80-х. Критики определили его как тенденцию к агрессивному соединению форм и использованию геометрически упорядоченных зон интенсивного цвета. Признаки деконструктивизма усматривают в некоторых архитектурных работах Франка Гери, Питера Эйзенмана и Заха Хадида.



Выставка, организованная Филиппом Джонсоном в Музее Современного Искусства в Нью-Йорке (1988) закрепила значение термина. Хотя некоторые из работ демонстрировали формы, подобные изломанным формам конструктивизма, параллели с русским течением 20-х были случайны. Деконструктивные мотивы присутствовали в проектах, которые были, большей частью, представлены в планах и моделях. Эти проекты, в основном, так и остались в "бумажной" стадии. Визуальная сложность стиля нашла отражение в некоторых графических работах датских и американских дизайнеров.


Китч

Происхождение слова имеет несколько версий:
  1. от немецкого музыкального жаргона начала 20-го века Kitsch - по смыслу "халтура"

  2. от немецкого verkitschen - удешевлять

  3. от английского for the kitchen "для кухни" (подразумеваются предметы плохого вкуса, для которых нет места в "приличном" помещении)
Китч в общем смысле относят к явлению самых нижних пластов массовой культуры. Это синоним псевдоискусства, лишенного эстетической ценности, снабженного примитивными, рассчитанными на внешний эффект, деталями.



В дизайне термин "Китч" употребляют как антитезу хорошего дизайна. Первоначально термин использовался для определения нефункциональных предметов типа подарков и безделушек. Впервые его использовал как эстетическую (точнее, антиэстетическую) категорию философ Фриц Карпфен в 1925 году. Позже значение слова расширилось, и оно стало определять некоторые элементы популярной культуры: определенные приемы рекламы и "trashy"-литературу. В 50-х годах китч-дизайн достиг своего расцвета.
В этот период была произведена масса дешевых безвкусных изделий, преимущественно из пластмассы. Это явление поощрялось защитой прав потребителей и было как бы реакцией на официально пропагандируемые каноны "Хорошего дизайна". В 60-х термин "китч" еще использовался в негативном смысле, но уже к 70-м явно "китчевые" объекты стали нарочито использовать в радикальных интерьерах. Через насмешку над хорошим вкусом китч наконец-то обрел реальную почву для оправдания своего существования.


Конструктивизм (построение)

1. Направление в советской художественной культуре в 20-х гг., выдвигавшее на передний план конструктивно-техническую сторону художественного творчества. Для конструктивизма характерна критика станковизма и созерцательности в искусстве, стремление реализовать в художественном творчестве требования конструктивной целесообразности, рациональности, функциональной оправданности, экономии. Конструктивизм своеобразно отразил пафос революционной самодеятельности 20-х гг., выдвигая требование превращения искусства в жизнестроение, то есть, в творчество целесообразных форм, организующих реальную общественную жизнедеятельность. В той или иной форме идеи конструктивизма получили отражение во всех видах искусства (напр., творчество К. С Малевича и Л. М. Лисицкого в живописи, сценические площадки театра Мейерхольда и др.), но перспективными они оказались лишь в прикладном искусстве и архитектуре, поскольку требования конструктивности и функциональности совпадали с объективной тенденцией развития этих видов искусства.



Применительно же к музыке, литературе, изобразительным искусствам призывы превратить художественное творчество в функционально-практическое конструирование оказались несостоятельными. Некоторые его сторонники вскоре отказались от крайностей конструктивизма и стали активными борцами за социалистическое искусство, другие (напр., Л. М. Лисицкий, А. М. Родченко) перешли от абстрактного к реальному предметотворчеству и стали первыми советскими дизайнерами. Те же, кто настаивал на самоценности конструктивных экспериментов, оказались в лагере модернизма.

Представители конструктивизма в архитектуре, оформившегося под воздействием концепции "производственного искусства" (братьи Веснины, М. Я. Гинзбург, И. И. Леонидов, К. С. Мельников и др.), в своих проектных и теоретических работах, по сути дела, заложили основы советской архитектуры и градостроительства, разработали принципы художественного конструирования, стали авторами первых советских павильонов на международных выставках. Конструктивизм оказал сильое влияние на формирование эстетических теорий немецкого Баухауза и западноевропейских функциона-листов.

2. Стиль советской архитектуры конца 20 - середины 30-х гг.. характеризующийся графической четкостью композиции, отсутствием декора, чередованием гори-зонтальных "ленточных" окон, глухих плоскостей и вертикальных лент остекления лестничных клеток. В этом смы-сле конструктивизм выступает обобщающим понятием, характеризующим стилистику столь разных мастеров, какими были архитекторы М. Я. Гинзбург, И. С. Николаев, Б. М. Иофан (автор проекта жилого комплекса и кинотеатра "Ударник" в Москве), Г. Б. Бархин (автор проекта комбината "Известия" в Москве) и др.


Модерн

Модерн - русское наименование стиля в европейском и американском искусстве конца XIX начала XX в. (соответственно "ар нуво" - во Франции и Великобритании, "югенд-стиль" - в Германии, "сецессион" - в Австрии и т. п.). Модерн представляет собой совокупность попыток сформировать целостный, противостоящий эклектике художественный стиль в архитектуре и декоративном искусстве. Теоретическим основанием модерна были труды Рёскина ("Семь светочей архитектуры", 1849), первой творческой лабораторией деятельность У. Морриса и прерафаэлитов в Англии.



Представители модерна - X. ван де Вельде (Фолькванг - музей в Хагене), Ч. Р. Макинтош (школа искусств в Глазго), Г. Гимар (оформление метрополитена в Париже), А. Гауди (дом Мила и другие постройки в Барселоне), Ф. О. Шехтель (Ярославский вокзал, бывший особняк Рябушинского в Москве), В. Орта (отели "Тассель" и "Сольвей" в Брюсселе) и другие. Модерн отличают поэтика символизма, высокая дисциплина композиции, подчеркнутый эстетизм в трактовке утилитарных деталей, декоративный ритм гибких, текучих линий, увлеченность национально-романтическими мотива-ми, акцент на индивидуальной изобретательности художника. Характерные для многих мастеров модерна рационализм, внимание к функциональной организации пространства, увлеченность новыми материалами (металл, стекло, керамика) несли в себе зародыш эстетических программ функционализма и конструктивизма в искусстве XX в.


Постиндустриализм

Постиндустриализм - это термин, который определяет отношение постмодернистского подхода к дизайну - проектирование объектов и производства их вне индустриального мейнстрима. С 1910 до 10 методы массового производства, разработанные еще фордизмом, доминировали в дизайне и промышленности. Но на протяжении 70-80-х, когда западная экономика стала менее склонной к массовому промышленному производству и более приспособленной к удовлетворению индивидуальных желаний заказчика, многие дизайнеры начали работать по типу "on-off" или создавать ограниченные серии изделий.

Этот тип организации работы не только полностью отражает природу постиндустриализма, но также позволяет дизайнерам экспериментировать и самовыражаться в творчестве более свободно, поскольку они перестали быть скованными долгим производственным процессом. Такие дизайнеры, как Рон Арад и Том Диксон, создают "rough-and-ready" (термин, означающий "сделанные наспех, небрежно, но так, что ими можно пользоваться по назначению") артефакты. Это сознательное дистанционирование от точного стандартизированного массового призводства.

К примеру, проигрыватель Concrete Рона Арада (1984) противоречит "хорошей форме", ассоциируемой с аудиооборудованием, призводимым такими компаниями, как Bang&Olufsen. Постиндустриализм сообщает постмодернистскому дизайну риторическое и ироничное содержание. Он возвещает идею "usable artwork" ("годные к практическому использованию произведения искусства") и таким образом создает новую область для дизайнерской практики.


Радикальный дизайн. Рационализм

"Мы хотим принести в дом все, что раньше оставалось снаружи: нарочитую банальность, сознательную вульгарность, урбанистические элементы и порок". Это написали члены группы Archizoom Андреа Бранци, Массимо Мороцци, Паоло Доганелло и другие о своих преувеличенно "безвкусных" кроватях Dream. Вместе с групами Суперстудио (Superstudio), UFO и Струм (Strum), Archizoom были движущей силой Радикального дизайна, которое возникло во второй половине 60-х в рамках течения Радикальной Архитектуры (термин предложил Germano Gelant в году).

На фоне студенческих протестов и радикальных изменений на рынке искусства, с приходом концептуального искусства и Arte Provera, молодые бунтари использовали всестороннюю критику общества, поднимали вопрос о союзе дизайна с промышленностью, вели наступление на догматическую веру в формальные предписания рационализма и функционализма. (Такую же антагонистическую позицию занимал Антидизайн).

На выставке "Италия: Новый Домашний Ландшафт", состоявшейся в Музее Современного Искусства в Нью-Йорке в 1972 году, Суперстудио представила свою концепцию в эскизах, коллажах, фотомонтажах. Радикальный дизайн предпочитал проектированию новых продуктов разработку альтернативной среды обитания, нового жизненного пространства. Этторе Соттсасс, который подвергал сомнению неизменность цикла производства и потребления с начала 60-х годов, и художники Уго Ля Пьетра и Гаэтано Пеше также принимали участие в движении, которое вскоре стало доминантным в мире дизайна. В среде возмутителей спокойствия, участников Радикального дизайна, развивалось одно очень оптимистичное направление.

Открытие новых формальных возможностей вызвало волну экспериментов, результатом которых стало появление стула-мешка Sacco (Gatti/Paolini/Teodoro), огромной бейсбольной перчатки - софы Joe (De Pas/D'Urbino/Lommazzi), вешалки для одежды Cactus и софы Lip (Gufram). Родился Поп-дизайн. Кампании Cassina, C&B Italia, Zanotta имели смелость начать п роизводство этих предметов, которые стали "иконами от дизайна". К середине 70-х Радикальный дизайн пережил пик своего расцвета, их надежды на социальные изменения через дизайн и архитектуру не оправдались. Оглядываясь назад, можно сказать, что это течение вымостило путь для появления новых лидеров Поп-дизайна, Алхимии и Мемфиса, эффективно и всесторонне обновивших итальянский дизайн.


Сецессион. Стримлайн. Группа "Струм". Суперстудио.

Основана в Турине группой представителей Радикального дизайна: Giorgio Geretti, Pietro Derossi, Carla Ciammarco, Riccardo Rosso и Maurizio Vogliazzo. Название - от сокращенного "una architettura strumentale" (инструментальная архитектура). Группа "Струм" участвовала в выставке "Италия. Новый домашний ландшафт", проведенной в Нью-Йоркском Музее Современного Искусства в 1972, где представила пенополиуретановую лежанку Pratone. Создатели Pratone вдохновлялись поп-артовыми скульптурами Олденбурга. Pratone не осталась в прототипе, как это часто случалось с объектами анти-дизайна. Она получила промышленную реализацию. Члены Группы "Струм" активно продвигали радикальный дизайн в конце 60-х - начале 70-х годов, организуя семинары, печатая статьи. Группа разработала методику "picture stories", чтобы объяснять социальные и политические особенности современной архитектуры. Группа "Струм" заложила философские основы Антидизайна и подготовила появление Постмодернизма начала 80-х.



Суперстудио (Superstudio) была одной из лидирующих групп внутри движения Радикального Дизайна, которое положило конец догматам функционализма и поклонению призводственной необходимости, которые доминировали в дизайне. Основана в году во Флоренции двумя архитекторами, Адольфо Наталини и Кристиано Торальдо; позднее присоединились Пьеро Фрассинелли и Роберто и Джанкарло Магрис. Утопический дизайн Суперстудио предлагал новые жилые структуры. В проекте Monumento continuo, они предложили модульные города и ландшафты, которые можно было расширять бесконечно.

Этот проект был предназначен для замены сложившейся структуры и служил матрицей для конструирования новой среды обитания, где каждому было определено его собственное нейтральное пространство, свободное от объектов и давления потребительской идеологии. В 1971 году они создали столик, покрытый черной сеткой по белому ламинату. Кроме того, квадратами был покрыт стол Quaderno для Zanotta, так же, как и стол Desino для Poltronova в 1977 году. Это были отражения их концепции бесконечного дизайна.


Тотал Дизайн

Группа Total Design была основана в Амстердаме. Это была первая многоотраслевая дизайн-группа в Нидерландах. Почти 30 лет они занимали особое положение в датском дизайнерском эстеблишменте. Основателями Total Design были индустриальный дизайнер Frizo Kramer, графический дизайнер Wim Crouwel и Benno Wissing (архитектурный дизайнер). Вскоре присоединился графический дизайнер Ben Bos, а во второй половине 60-х число членов группы выросло до 40 человек. Они делали высококлассный графический и информационный дизайн, сочетали аналитический подход и любовь к геометрии. Главные проекты Total Design 60-х - это информационная система для Амстердамского аэропорта (первая всеобъемлющая система для аэропорта в целом) и афиши и каталоги для Stedelijk Museum в Амстердаме.



Вим Крувель спроектировал свой знаменитый Новый Алфавит: набор буквенных форм, применяемых для CRT (катодно-лучевой трубки). Буквы состояли только из горизонтальных и вертикальных линий и имели одинаковую ширину. Среди других проектов особого внимания заслуживает один из крупных заказов - разработка фирменного стиля для Датской почтовой службы (PTT). Эта работа была выполнена во второй половине 70-х. На протяжении всей своей истории Total Design не прекращал исследования в области использования новых технологий. Вначале это были Новый Алфавит и энциклопедия Радость Знаний (The Joy of Knowledge), для оформления которой впервые применялась компьютерная графика. В более поздние годы - смелые эксперименты в области типографики.

Ульмская школа

Ульмская школа была новой передовой школой для дизайнеров, которая заменила Баухауз после второй мировой войны. Основана в 1951 году. Ее первым директором стал Макс Билл, получивший дизайнерское образование в Баухаузе. Он придерживался концепции чистого, функционального дизайна на протяжении тех пяти лет, пока он был директором в Ульме. В течение второй половины 50-х эта идея получила теоретическое обоснование. К этому времени директором Ульмской школы стал аргентинец Томас Мальдонадо (р. в 1922 году).

Более четверти своего времени в Ульме студенты тратили на изучение эргономики, социологии, экономики и психологии, чтобы затем в профессиональной деятельности уметь применять системный подход к процессу проектирования. Ульмские профессора сетовали на то, что богатство западных стран увеличилось настолько, что дизайн стал удовлетворять желания заказчика лучше, чем это действительно необходимо. Эта критика капиталистической системы, которой занимались Мальдонадо и его коллеги, бывшие ульмские студенты, Гуи Бонсип и Клод Шнейдт, и упорные разнообразные дебаты привели к закрытию школы.


Фрогдизайн

Frogdesign, основанный Хармутом Эсслингером, сегодня одна из самых знаменитых немецких консалтинговых фирм в области дизайна. Хармут Эсслингер родился в 1945 году и получил образование инженера-электрика в Штудгардском университете, позднее учился дизайну в Гмунде. В настоящее время Фрогдизайн имеет свои офисы в Германии и Японии, работает с такими клиентами как AEG, Erco, Apple Computers, Sony.



Основная область профессиональных интересов - электроника и мебель. В числе их недавних проектов - Apple 11GS (персональный компьютер для работы с графикой и звуком), компьютер NeXT и прототип 35-миллиметровой SLR камеры для Olympus. Их проекты, как правило, тщательно продуманы с точки зрения коммерческого успеха. И это более яркий, выразительный немецкий дизайн, чем холодный стиль Дитера Рамса.

Фрогдизайн также много вкладывает в собственные дизайнерские эксперименты. Среди таких разработок - предметы, предназначенные для помощи пожилым людям. Например, телевизор с вращающимся экраном, который можно смотреть из любого положения.


Функционализм

Термин "функционализм" используется для определения широкого круга понятий, а не только для отдельного стиля. Тем не менее, в узком смысле, он определяет особый путь развития дизайнерской мысли. Основателем функционализма считается американский архитектор Льюис Салливан. Он опубликовал эссе, в котором прозвучал ставший потом всемирно известным тезис: "форма следует функции". Он подразумевал, что при проектировании образа объекта нужно руководствоваться внешними факторами - физическими, климатическими.



Но удачная формулировка быстро распространилась и, в отрыве от контекста, видоизменилась. Вместо внешних факторов определяющей стала функция самого объекта. Со временем, особенно после появления в дизайне "Современного течения", этот термин стал взаимозаменяем с термином "Рационализм". Понятием "функционализм" нещадно пользовались по любому поводу, им злоупотребляли и, нередко, преувеличивали его значение. Рейнер Банам и Тим Бентон приводят убедительные аргументы, что термин был переосмыслен в согласии с теорией Ле Корбюзье.


Футуризм

Футуризм (будущее) авангардистское течение в европейском искусстве 10-20-х гг. XX в. Сложился в Италии. В творческой практике итальянских живописцев У. Боччони, Дж. Северини и других проявилась тенденция сделать предметом искусства динамизм как таковой. Отрицание традиционной культуры, ее художественных ценностей, культ техники, индустриальных городов (урбанизм) приобретал у итальянских футуристов антигуманистический характер: по утверждению итальянского писателя Ф. Т. Маринетти (вождя и теоретика футуризма, автора "Манифестов итальянского футуризма"), жизнь мотора волнует больше, чем улыбка или слезы женщины. В живописи футуристов, представлявшей собой хаотические комбинации плоскостей и линий, дисгармонию цвета и формы, человек нередко трактуется как подобие машины.



Отрицание гармонии как принципа искусства присуще и футуристической скульптуре. Требование "открыть фигуру, как окно", стремление передать светопроницаемость и взаимопроникновение объемов приводило к модернистской деформации. Поэзия футуристов заумна, нацелена на разрушение живого языка; это образец насилия над лексикой и синтаксисом. Футуристическая абсолютизация динамики и силы, творческого произвола художника в социально-идеологическом плане обнаружила различные тенденции. В итальянском футуризме она обернулась прославлением войны в качестве "единственной гигиены мира", воспеванием агрессии и насилия, поэтизацией империализма. В сочетании с ярым национализмом все это привело итальянских футуристов к союзу с фашистским режимом Муссолини.

В других странах Запада футуризм был представлен немногочисленными группами. Сложившийся в России "кубофутуризм" лишь терминологически и некоторыми формальными чертами перекликается с итальянским футуризмом, отличаясь от него социально-классовой основой и конкретно-эстетическим содержанием. Русским футуристам были свойственны черты мелкобуржуазного анархического бунтарства, левацкий радикализм по отношению к культурному наследию, крайности формалистического экспериментаторства. После Октябрьской революции русские футуристы заявляли о своем желании создавать социалистическую культуру, искусство будущего, революционизировать быт. Во многом эстетические крайности футуристов, группировавшихся вокруг журнала "Леф" (редактор - Маяковский), были своеобразной реакцией на односторонность рапповской критики. К концу 20-х гг. в процессе развития социалистического художественного сознания и организационного объединения различных художественных группировок футуризм в России прекратил свое существование.


Дизайн предметной среды 80-х - это, прежде всего, стиль "Мемфис".

Абсолютная свобода самовыражения - ДОПУСТИМО ВСЕ! В этом стиле сложно выделить "формообразующие черты", потому что он ориентирован исключительно на выражение самобытности дизайнера. Но общее, объединяющее - это острота жеста, смелая игра материалами, фактурами и формами, виртуозное смешение стилей. Вначале была идея. Идея, что существующий метод дизайна противоречит современному состоянию человеческого общества. Мир стремительно меняется, темпы смены модных циклов ускоряются. Дизайн, ориентированный на абсолютное и вечное, парадоксально недолговечен, потому что предметная среда устаревает очень быстро и это "старение" уже запрограммировано в ней. Дизайн нужно было приблизить к потребностям общества, согласовать его с законами устаревания. Или, наоборот, сделать дизайн "надмодным" - то есть изъять из него формальные стилеобразующие черты.

В 1981 была создана группа "Мемфис", объединение дизайнеров. Этторе Соттсасс, Микеле де Лукки, Андреа Бранци. Были созданы коллекции почти уникальных, микросерийных предметов. Но образы из этих коллекций были растиражированы во множестве рекламных и журнальных публикаций. По сути, была проведена мощная рекламная акция по внедрению нового проектного метода. И вот, из выставочного феномена ИДЕЯ Мемфиса мгновенно превратилась в реальный фактор формирования среды. Группа ежегодно проводила выставки своих коллекций. Новое направление было заявлено его создателями как "новый международный стиль". И, действительно, очень скоро стиль "Мемфис" стал самым влиятельным в мировом дизайне. Итак, как ЭТО выглядит?

Самое главное - объекты "Мемфиса" РАДУЮТ ГЛАЗ. Это мир яркого, чистого цвета. Сопоставление цветов острое, на грани китча, но в этом и выражается виртуозность - балансировать на грани. Парадоксальная смесь форм, текстур и фактур, материалов. Неожиданные акценты. Определяющее слово - ИГРА. Игра красками и формами. И никакого нарочитого усложнения формы. Мир наполнен вещами, мир многообразен и очень сложен. Человеку трудно воспринимать такой мир - многообразие элементов мира превращается просто в визуальный шум.

Отдельный объект должен восприниматься легко. Зачем усложнять мир еще больше? И обязательно - самобытность, оригинальность, выразительность. Каждый предмет имеет характер. Если проводить аналогии образного языка Мемфиса с языком вербальным (словесным), то это не просто живая речь, а сленг, который может быть вульгарным, даже неприличным, но всегда исключительно выразителен и точен. Формула Мемфиса: абсолютная свобода творческого самовыражения и проектный реализм. В 1985 году группа Мемфис провела выставку "Домашние животные". Была выставлена мебель. Мебель с характером. Это оживающая мебель, к ней уже нельзя относиться внеэмоционально, с ней нужно уживаться, как с домашними любимцами. Выполнив свою задачу, создав новый выразительный пластический язык, новую визуальную культуру, группа прекратила свое существование в 1989 году.


Хай-тек. Хороший дизайн

Термин "хай-тэк" первоначально использовался для описания архитектурных проектов середины 60-х годов 20-го века небольшой группы архитекторов. В эту группу входили, помимо прочих, Норман Фостер и Ричерд Роджерс. Происхождение хай-тека связывают с течением "Радикального дизайна", участник которого, Бакминстер Фуллер, работал и с Фостером и с Роджерсом. Затем идеология хай-тека была усилена теориями группы Archigram. Термин "хай-тек" не связан с электроникой, компьютерами, робототехникой. В архитектуре он подразумевает отказ от традиционных "неуклюжих" строительных материалов (камня, дерева, кирпича) в пользу нетрадиционных синтетических материалов (асбестовой плитки, стекловолоконных изоляционных материалов, стальных балок перекрытия и пластиковых окон).



Иногда это абсолютно "машиноподобные" формы, явно заимствующие детали массового производства. Хай-тек в дизайне придерживается основных принципов архитектурного хай-тека. Здесь тоже применяются элементы, произведенные массовой промышленностью: проволочная сетка, пластиковые трубы, гальванизированная сталь и антифрикционная резина. Этот стиль чаще используется в мебельном и интерьерном дизайне, а в промышленном дизайне применение подобных элементов подчас вызывает идиосинкразию.

"Хороший дизайн" основан на рациональном подходе к процессу проектирования, результатом которого являются изделия, созданные в соответствии с формальными, техническими и эстетическими принципами Современного движения. Нью-Йоркский Музей Современного Искусства организовал первую выставку "Хорошего дизайна" в 1950 году при участии Чарльза и Рэй Имс. Проекты-победители были выбраны жюри из трех человек и получили специальный сертификат, как объекты "Хорошего дизайна". В Европе, особенно в Германии были хорошие предпосылки для развития "Хорошего дизайна". Макс Билл, сооснователь Ульмской школы, стал продвигать идеи "Хорошего дизайна", основы которого были заложены еще в Баухаузе. При участии Билла в Германии были организованы выставки "Die Gute Indu strieform".



Идея "Хорошего дизайна" была подхвачена фирмой Браун, где разрабатывал свою функциональную электронику Дитер Рамс. В Англии "Хороший дизайн" активно пропагандировался Советом Дизайна через выставки и журнал. На объекты "Хорошего дизайна" ставилась специальная метка "kitemark" - своеобразный знак качества. В 60-е годы идеи "Хорошего дизайна" подвергались критике, а диктат "хорошего вкуса" ставился под сомнение.


Смотрите также:
Основные стили логотипа
Книги для дизайнера
Стулья и стили







Электронные книги о дизайнеЧМ 2018Гламурные картинкиГраффити галереяЯпония фотографииО путешествиях и странах, дешевые авиабилеты и отелиДизайн форум



    Rambler's Top100     Яндекс.Метрика  


Web дизайн и создание сайтов


Карта сайта       Наверх